Scattered Words
2025.08.28 – 09.27
박영민 Youngmin PARK
유지영 Jiyoung YOO
이은우 Eunu LEE
Curation and Curatorial Statement by Yun Duhyun
2025.08.28 – 09.27
박영민 Youngmin PARK
유지영 Jiyoung YOO
이은우 Eunu LEE
Curation and Curatorial Statement by Yun Duhyun
From August 28, KICHE presents the exhibition 《Scattered Words》, featuring artists Youngmin PARK, Jiyoung YOO, and Eunu LEE.
The world in which each individual dwells is itself a succession of events, phenomena that exist prior to language. The term ‘scattered words’ refers to these phenomena, moving somewhere between language and non-language, consciousness and the unconscious, reality and the unreal. This exhibition explores how the artists sense and engage with these phenomena—what they choose to perceive and how they approach it. Each artist sets their own conditions, based on a chosen methodology, to determine the medium and working process. Within this constructed stage, memory, time, and the surface of things become signposts pointing toward directions of thought. The artists linger within these ambiguous boundaries, building spaces where words are created, imagination is bestowed, and drifting becomes possible.
Youngmin PARK uses fragments of memory and sensations linked to her past experiences as the primary material for her work. Within her canvases, forms transform and connect in ambiguous ways. Figures, dogs, fish, insects—naturally interchangeable subjects—serve as mediators that move and expand horizontally, without fixing perspective or enforcing hierarchy. Red Herring 1, 2 (2024) exemplifies the artist’s overall attitude: the paired canvases feature sequential movements of figures, dogs, and red herrings, which generate painterly rhythms and construct nonlinear narratives. These images both lure viewers toward the canvas and emphasize ambiguity, prompting attention to painterly gestures and the unspoken intervals of narrative. Her new work Too Many Lights (2025), presenting side profiles of a woman and a dog in sequential frames, signals a shift toward incorporating places, people, and landscapes from her present-day life.
Jiyoung YOO creates fissures within linear, causal frameworks and drifts along their boundaries. She subverts and neutralizes tools of perception—celestial systems, time zones, clocks, calendars—that typically integrate physical space-time into fixed systems, thereby paradoxically highlighting their indeterminacy. Through this approach, she reveals how conventional “systems of perception” are constructed, while exploring the possibility of rethinking them from new vantage points. Orrery (2025), a spatial installation, draws on the structure of an orrery (a device modeling planetary movement) and the growth patterns of trees. In her work, celestial bodies are inverted, symbolized as an organic lifeform existing in harmony of yin and yang. In Day-Hour-Minute (2025), a series painted on circular wooden panels, a single day of the artist’s life is translated into painterly elements. Within these round frames, time and space overlap and curve.
Eunu LEE focuses not on the linguistic meaning of objects but on their outer forms and materiality. Moving between wood, metal, and fabric scattered throughout the studio, she patiently follows the concepts or shapes evoked by their physical qualities, carving and refining the materials. In this process, disparate substances are intricately combined into singular works. The artist’s body, engaging in this practice, becomes a platform traversing historical boundaries embedded in the “surface” of objects. April (2025), a set of 21 works, is based on a drawing completed the previous year. For one month in April, the artist created one variation each day on graph paper as a form of warm-up exercise. This “warm-up,” as the artist describes it, is closer to a performative practice of internalizing diverse styles drifting across historical boundaries. In Corner Room (2025), Lee constructs a grid with standard carpet tiles and layers it with macadamia shells collected in the studio. By superimposing these ordinary materials, the work evokes moments arising at the boundary of objects and history, conjuring trajectories of transformation, disappearance, and material trace.
The world in which each individual dwells is itself a succession of events, phenomena that exist prior to language. The term ‘scattered words’ refers to these phenomena, moving somewhere between language and non-language, consciousness and the unconscious, reality and the unreal. This exhibition explores how the artists sense and engage with these phenomena—what they choose to perceive and how they approach it. Each artist sets their own conditions, based on a chosen methodology, to determine the medium and working process. Within this constructed stage, memory, time, and the surface of things become signposts pointing toward directions of thought. The artists linger within these ambiguous boundaries, building spaces where words are created, imagination is bestowed, and drifting becomes possible.
Youngmin PARK uses fragments of memory and sensations linked to her past experiences as the primary material for her work. Within her canvases, forms transform and connect in ambiguous ways. Figures, dogs, fish, insects—naturally interchangeable subjects—serve as mediators that move and expand horizontally, without fixing perspective or enforcing hierarchy. Red Herring 1, 2 (2024) exemplifies the artist’s overall attitude: the paired canvases feature sequential movements of figures, dogs, and red herrings, which generate painterly rhythms and construct nonlinear narratives. These images both lure viewers toward the canvas and emphasize ambiguity, prompting attention to painterly gestures and the unspoken intervals of narrative. Her new work Too Many Lights (2025), presenting side profiles of a woman and a dog in sequential frames, signals a shift toward incorporating places, people, and landscapes from her present-day life.
Jiyoung YOO creates fissures within linear, causal frameworks and drifts along their boundaries. She subverts and neutralizes tools of perception—celestial systems, time zones, clocks, calendars—that typically integrate physical space-time into fixed systems, thereby paradoxically highlighting their indeterminacy. Through this approach, she reveals how conventional “systems of perception” are constructed, while exploring the possibility of rethinking them from new vantage points. Orrery (2025), a spatial installation, draws on the structure of an orrery (a device modeling planetary movement) and the growth patterns of trees. In her work, celestial bodies are inverted, symbolized as an organic lifeform existing in harmony of yin and yang. In Day-Hour-Minute (2025), a series painted on circular wooden panels, a single day of the artist’s life is translated into painterly elements. Within these round frames, time and space overlap and curve.
Eunu LEE focuses not on the linguistic meaning of objects but on their outer forms and materiality. Moving between wood, metal, and fabric scattered throughout the studio, she patiently follows the concepts or shapes evoked by their physical qualities, carving and refining the materials. In this process, disparate substances are intricately combined into singular works. The artist’s body, engaging in this practice, becomes a platform traversing historical boundaries embedded in the “surface” of objects. April (2025), a set of 21 works, is based on a drawing completed the previous year. For one month in April, the artist created one variation each day on graph paper as a form of warm-up exercise. This “warm-up,” as the artist describes it, is closer to a performative practice of internalizing diverse styles drifting across historical boundaries. In Corner Room (2025), Lee constructs a grid with standard carpet tiles and layers it with macadamia shells collected in the studio. By superimposing these ordinary materials, the work evokes moments arising at the boundary of objects and history, conjuring trajectories of transformation, disappearance, and material trace.
기체는 오는 8월 28일부터 박영민, 유지영, 이은우 작가가 참여하는 <<흩어진 말들>>전을 개최한다.
개인이 몸담고 있는 세계 그 자체는 사건들의 연속이며, 언어 이전의 현상들이다. 여기서 언급하고 있는 ‘흩어진 말들’은 그 현상들을 일컫는 것으로 언어와 비언어, 의식과 무의식, 현실과 비현실 사이 어디쯤을 오간다. 이번 전시는 작가들이 그런 현상들 안에서 ‘무엇’을 ‘어떻게’ 감각하고, 다루는지 살핀다. 세 작가들은 각자가 정한 방법론을 기준 삼아 다룰 매체와 작업 방식 등의 조건을 설정한다. 그렇게 꾸려진 무대 위에서 ‘기억’, ‘시간’, ‘사물의 외피’는 사유의 방향을 가리키는 이정표가 된다. 작가들은 그 모호한 경계에 머물면서 말을 짓고, 상상력을 부여하며 저마다의 공간을 구축한다.
박영민은 자신이 겪어온 경험과 거기 연결된 기억의 단편들, 감각들을 작업의 기본 재료로 가져온다. 그의 화면 안에서 형상들은 모호하게 변형되고, 연결된다. 인물들, 개, 물고기, 곤충 등 자연스럽게 동일시되는 대상들은 시점이 하나로 고정되거나 위계를 강요하지 않으면서 수평적으로 이동, 확장하도록 하는 매개들이다. <Red Herring 1, 2>(2024)는 제목 자체로 작가가 그의 작업 전반에서 취하고 있는 태도를 잘 드러내고 있는 작품이다. 페어링한 화면 안에 펼쳐진 연속 동작의 인물, 개, 붉은 청어 등 이미지들은 회화적 리듬감을 부여하면서 비선형의 서사를 만들어 낸다. 이는 감상자를 그림 앞으로 유인하면서도 그 모호함을 강조함으로써 회화적 제스처와, 이야기의 행간에 주목하도록 이끄는 동인이다. 신작 <Too Many Lights>(2025)은 여자와 개의 옆얼굴을 연속 화면으로 배치한 작품이다. 이는 현재 일상에서 경험하고, 감각하는 장소, 인물, 풍경들로 옮겨오고 있음을 보여준다.
유지영은 선형적이며 인과론적으로 틀 짓고 있는 체계에 틈을 만들고 그 경계에서 유영한다. 그는 천체, 타임존, 시계, 캘린더 등 물리적 시공간을 확정성의 체계 안으로 편입하고 있는 인식의 수단, 틀을 의외의 요소들로 치환하고 중화함으로써 그 불확정성을 역설적으로 부각한다. 이런 작업 방식을 통해 작가는 보편화된 ‘인식 체계’가 구축되는 과정을 드러내고, 나아가 새로운 관점에서 그것을 바라보고 사유할 수 있는 가능성을 탐구한다. <Orrery>(2025)는 천체의 움직임을 재현하는 장치인 ‘오러리(orrery)’의 구조와 나무의 생장 구조를 모티프로 한 공간설치 작품이다. 그의 작업 안에서 천체는 뒤집어지고, 음양의 조화 속에 존재하는 하나의 유기적 생명체로 상징화된다. <Day-Hour-Minute>(2025)는 원형 나무패널 위에 작가가 보낸 하루를 회화적 요소들로 치환해 담아낸 연작이다. 원형의 패널 안에서 시공간은 겹쳐지고, 구부러진다.
이은우는 사물이 지닌 언어적 의미보다 그 외피의 형태, 물질성에 주목한다. 작업실 이곳저곳 흩어놓은 나무, 금속, 패브릭 사이를 오가며 그 물성에서 연상되는 개념이나 형태를 느긋한 호흡으로 따라가며 재료들을 깎고, 다듬는다. 그 과정 안에서 서로 다른 물성들이 한 작품으로 정교하게 조합된다. 그런 맥락에서 작업을 실천하는 작가의 신체는 ‘사물’의 외피에 자리하고 있는 역사적 경계들을 오가는 플랫폼이다. 신작 <April>(2025) 21점은 한 해 전 끝마친 드로잉 1점을 출발점 삼고 4월 한달 동안 작업실에 출근하자마자 몸풀기 하듯 한 장씩 모눈종이 위에 변주해가는 방식으로 작업했다. 여기서 작가가 언급하고 있는 ‘몸풀기’는 어쩌면 역사적 경계 위를 떠다니는 다양한 양식들을 작가의 몸에 내재화 하는 수행적 실천에 가깝다. <방구석>(2025)에서는 표준 규격의 카펫타일을 격자로 나누어 공간을 구성하고, 작업실에 모아둔 마카다미아 껍질을 덧붙여 평범한 사물들의 레이어를 중첩된다. 이는 사물과 역사의 경계에서 발생하는 순간들을 환기하며, 변화와 소멸, 그리고 물질적 흔적의 궤적을 떠올리게 한다.
개인이 몸담고 있는 세계 그 자체는 사건들의 연속이며, 언어 이전의 현상들이다. 여기서 언급하고 있는 ‘흩어진 말들’은 그 현상들을 일컫는 것으로 언어와 비언어, 의식과 무의식, 현실과 비현실 사이 어디쯤을 오간다. 이번 전시는 작가들이 그런 현상들 안에서 ‘무엇’을 ‘어떻게’ 감각하고, 다루는지 살핀다. 세 작가들은 각자가 정한 방법론을 기준 삼아 다룰 매체와 작업 방식 등의 조건을 설정한다. 그렇게 꾸려진 무대 위에서 ‘기억’, ‘시간’, ‘사물의 외피’는 사유의 방향을 가리키는 이정표가 된다. 작가들은 그 모호한 경계에 머물면서 말을 짓고, 상상력을 부여하며 저마다의 공간을 구축한다.
박영민은 자신이 겪어온 경험과 거기 연결된 기억의 단편들, 감각들을 작업의 기본 재료로 가져온다. 그의 화면 안에서 형상들은 모호하게 변형되고, 연결된다. 인물들, 개, 물고기, 곤충 등 자연스럽게 동일시되는 대상들은 시점이 하나로 고정되거나 위계를 강요하지 않으면서 수평적으로 이동, 확장하도록 하는 매개들이다. <Red Herring 1, 2>(2024)는 제목 자체로 작가가 그의 작업 전반에서 취하고 있는 태도를 잘 드러내고 있는 작품이다. 페어링한 화면 안에 펼쳐진 연속 동작의 인물, 개, 붉은 청어 등 이미지들은 회화적 리듬감을 부여하면서 비선형의 서사를 만들어 낸다. 이는 감상자를 그림 앞으로 유인하면서도 그 모호함을 강조함으로써 회화적 제스처와, 이야기의 행간에 주목하도록 이끄는 동인이다. 신작 <Too Many Lights>(2025)은 여자와 개의 옆얼굴을 연속 화면으로 배치한 작품이다. 이는 현재 일상에서 경험하고, 감각하는 장소, 인물, 풍경들로 옮겨오고 있음을 보여준다.
유지영은 선형적이며 인과론적으로 틀 짓고 있는 체계에 틈을 만들고 그 경계에서 유영한다. 그는 천체, 타임존, 시계, 캘린더 등 물리적 시공간을 확정성의 체계 안으로 편입하고 있는 인식의 수단, 틀을 의외의 요소들로 치환하고 중화함으로써 그 불확정성을 역설적으로 부각한다. 이런 작업 방식을 통해 작가는 보편화된 ‘인식 체계’가 구축되는 과정을 드러내고, 나아가 새로운 관점에서 그것을 바라보고 사유할 수 있는 가능성을 탐구한다. <Orrery>(2025)는 천체의 움직임을 재현하는 장치인 ‘오러리(orrery)’의 구조와 나무의 생장 구조를 모티프로 한 공간설치 작품이다. 그의 작업 안에서 천체는 뒤집어지고, 음양의 조화 속에 존재하는 하나의 유기적 생명체로 상징화된다. <Day-Hour-Minute>(2025)는 원형 나무패널 위에 작가가 보낸 하루를 회화적 요소들로 치환해 담아낸 연작이다. 원형의 패널 안에서 시공간은 겹쳐지고, 구부러진다.
이은우는 사물이 지닌 언어적 의미보다 그 외피의 형태, 물질성에 주목한다. 작업실 이곳저곳 흩어놓은 나무, 금속, 패브릭 사이를 오가며 그 물성에서 연상되는 개념이나 형태를 느긋한 호흡으로 따라가며 재료들을 깎고, 다듬는다. 그 과정 안에서 서로 다른 물성들이 한 작품으로 정교하게 조합된다. 그런 맥락에서 작업을 실천하는 작가의 신체는 ‘사물’의 외피에 자리하고 있는 역사적 경계들을 오가는 플랫폼이다. 신작 <April>(2025) 21점은 한 해 전 끝마친 드로잉 1점을 출발점 삼고 4월 한달 동안 작업실에 출근하자마자 몸풀기 하듯 한 장씩 모눈종이 위에 변주해가는 방식으로 작업했다. 여기서 작가가 언급하고 있는 ‘몸풀기’는 어쩌면 역사적 경계 위를 떠다니는 다양한 양식들을 작가의 몸에 내재화 하는 수행적 실천에 가깝다. <방구석>(2025)에서는 표준 규격의 카펫타일을 격자로 나누어 공간을 구성하고, 작업실에 모아둔 마카다미아 껍질을 덧붙여 평범한 사물들의 레이어를 중첩된다. 이는 사물과 역사의 경계에서 발생하는 순간들을 환기하며, 변화와 소멸, 그리고 물질적 흔적의 궤적을 떠올리게 한다.
CV
Youngmin PARK (b. 1997) received her BFA in Fine Arts from the Korea National University of Arts and her MFA in Visual Arts from Columbia University. She has held solo exhibitions at Make Room (Los Angeles, 2024, 2025) and has participated in group exhibitions at KICHE (Seoul, 2025), NADA (New York, 2025), Eli Klein Gallery (New York, 2024), Make Room (Shanghai, 2024), SK Gallery (New York, 2024), LATITUDE Gallery (New York, 2024), THE Blank Gallery (New York, 2023), and 175 Gallery (Seoul, 2022), among others.
박영민(b.1997)은 한국예술종합학교 미술원 조형예술과 학사 및 콜롬비아대학 미술대학원 시각예술과 석사를 졸업했다. 개인전은 Makeroom(LA, 2024, 2025)에서 열었고, 기획전은 갤러리 기체(서울, 2025), 나다 (뉴욕, 2025), 엘리클라인 갤러리(뉴욕, 2024), Makeroom (상해, 2024) SK갤러리(뉴욕, 2024), 래티튜드 갤러리(뉴욕, 2024), 더 블랑 갤러리 (뉴욕, 2023), 175갤러리(서울, 2022) 등이 있다.
Youngmin PARK (b. 1997) received her BFA in Fine Arts from the Korea National University of Arts and her MFA in Visual Arts from Columbia University. She has held solo exhibitions at Make Room (Los Angeles, 2024, 2025) and has participated in group exhibitions at KICHE (Seoul, 2025), NADA (New York, 2025), Eli Klein Gallery (New York, 2024), Make Room (Shanghai, 2024), SK Gallery (New York, 2024), LATITUDE Gallery (New York, 2024), THE Blank Gallery (New York, 2023), and 175 Gallery (Seoul, 2022), among others.
박영민(b.1997)은 한국예술종합학교 미술원 조형예술과 학사 및 콜롬비아대학 미술대학원 시각예술과 석사를 졸업했다. 개인전은 Makeroom(LA, 2024, 2025)에서 열었고, 기획전은 갤러리 기체(서울, 2025), 나다 (뉴욕, 2025), 엘리클라인 갤러리(뉴욕, 2024), Makeroom (상해, 2024) SK갤러리(뉴욕, 2024), 래티튜드 갤러리(뉴욕, 2024), 더 블랑 갤러리 (뉴욕, 2023), 175갤러리(서울, 2022) 등이 있다.
CV
Jiyoung YOO(b.1991) graduated from the Department of Painting at Hongik University and the Slade School of Fine Art in London. She has held solo exhibitions at KICHE (Seoul, 2023), Room Project at Leeum Museum of Art (Seoul, 2022), ThisWeekendRoom (Seoul, 2021), Exhibition Space (Seoul, 2019), and RAINBOWCUBE (Seoul, 2018). Her major group exhibitions include KICHE (Seoul, 2025), Museumhead (Seoul, 2025), P21 Gallery (Seoul, 2022), Gallery Func (Shanghai, 2022), 021 Gallery (Daegu, 2020), London Arts Board (London, 2020), 155A Gallery (London, 2020), SEETANGRAUM (Jeju, 2020), Ilwoo Space (Seoul, 2019), and BEERS London (London, 2018). She has also participated in residencies at Acme London (2024), Seoul Art Space Geumcheon(2021), and Hong Kong Baptist University (2018).
유지영(b.1991)은 홍익대학교 회화과와 런던 슬레이드 미술대학을 졸업했다. 기체(서울, 2023), 리움미술관 룸프로젝트(서울, 2022), 디스위켄드룸(서울, 2021), 전시공간(서울, 2019), 레인보우큐브(서울, 2018)에서 개인전을 가졌다. 주요 단체전으로는 기체(서울, 2025), 뮤지엄헤드(서울, 2025), 페리지 갤러리(서울, 2022), 갤러리 펑크(상해, 2022), 021 갤러리(대구, 2020), 런던 아트 보드(런던, 2020), 155a(런던, 2020), 새탕라움(제주, 2020), 일우스페이스(서울, 2019), 비어스 런던(런던, 2018) 등이 있으며, 아크미 런던 레지던시(2024), 금천예술공장(2021), 홍콩침례대학교(2018) 레지던시에 참여했다.
Jiyoung YOO(b.1991) graduated from the Department of Painting at Hongik University and the Slade School of Fine Art in London. She has held solo exhibitions at KICHE (Seoul, 2023), Room Project at Leeum Museum of Art (Seoul, 2022), ThisWeekendRoom (Seoul, 2021), Exhibition Space (Seoul, 2019), and RAINBOWCUBE (Seoul, 2018). Her major group exhibitions include KICHE (Seoul, 2025), Museumhead (Seoul, 2025), P21 Gallery (Seoul, 2022), Gallery Func (Shanghai, 2022), 021 Gallery (Daegu, 2020), London Arts Board (London, 2020), 155A Gallery (London, 2020), SEETANGRAUM (Jeju, 2020), Ilwoo Space (Seoul, 2019), and BEERS London (London, 2018). She has also participated in residencies at Acme London (2024), Seoul Art Space Geumcheon(2021), and Hong Kong Baptist University (2018).
유지영(b.1991)은 홍익대학교 회화과와 런던 슬레이드 미술대학을 졸업했다. 기체(서울, 2023), 리움미술관 룸프로젝트(서울, 2022), 디스위켄드룸(서울, 2021), 전시공간(서울, 2019), 레인보우큐브(서울, 2018)에서 개인전을 가졌다. 주요 단체전으로는 기체(서울, 2025), 뮤지엄헤드(서울, 2025), 페리지 갤러리(서울, 2022), 갤러리 펑크(상해, 2022), 021 갤러리(대구, 2020), 런던 아트 보드(런던, 2020), 155a(런던, 2020), 새탕라움(제주, 2020), 일우스페이스(서울, 2019), 비어스 런던(런던, 2018) 등이 있으며, 아크미 런던 레지던시(2024), 금천예술공장(2021), 홍콩침례대학교(2018) 레지던시에 참여했다.
CV
Eunu LEE(b.1982) received his BFA and MFA in Fine Arts from the Korea National University of Arts. She has held solo exhibitions at the Buk-Seoul Museum of Art (Seoul, 2023), Prompt Project (Seoul, 2022), The Great Collection (Seoul, 2021), SongEun Art Space (Seoul, 2021), Art Sonje Project Space (Seoul, 2015), Gallery Factory (Seoul, 2014), and Alternative Space LOOP (Seoul, 2009). Her group exhibitions include those at MMCA Residency Changdong (Seoul, 2025), RANEE SEOUL (Seoul, 2025), VSF (Los Angeles, 2024), EDIT Projects (2024, Seoul), New Spring Project (Seoul, 2024), HITE Collection (Seoul, 2024), Dohing Art (Seoul, 2023), Rockefeller Center (New York, 2023), Space 298 (Pohang, 2023), Thomas Park (Seoul, 2023), Factory2 (Seoul, 2023), Nook Gallery (Seoul, 2022), Prompt Project (Seoul, 2022), Museum of Contemporary Art Busan (Busan, 2022), Ulsan Art Museum (Ulsan, 2022), SongEun Art Space (Seoul, 2021), BGA Maru (Seoul, 2021), Gyeonggi Museum of Modern Art (Ansan, 2021), Space ISU (Seoul, 2020), and Sueno 339 (Seoul, 2019), among others. Lee is the recipient of the 2023 Seoul Arts Award and the 2016 SongEun Art Award.
이은우(b.1982)는 한국예술종합학교 미술원 조형예술과 학사를 졸업하고 동대학원에서 석사를 마쳤다. 개인전은 서울시립 북서울미술관(서울, 2023), 프롬프트 프로젝트(서울, 2022), 더 그레잇 컬렉션(서울, 2021), 송은 아트스페이스 (서울, 2021), 아트선재 프로젝트 스페이스(서울, 2015), 갤러리팩토리(서울, 2014), 대안공간 루프(서울, 2009) 등에서 가졌고, 창동레지던시(서울, 2025), 라니 서울(서울, 2025), VSF LA(LA, 2024), 뉴스프링프로젝트(서울, 2024), 하이트 컬렉션(서울, 2024), 도잉아트(서울, 2023), 록펠러센터(뉴욕, 2023), 스페이스298(포항, 2023), 토마스 파크(서울, 2023), 팩토리2(서울, 2023), 누크 갤러리(서울, 2022), 프롬프트 프로젝트(서울, 2022), 부산현대미술관(부산, 2022), 울산시립미술관(울산, 2022), 송은아트스페이스(서울, 2021), BGA 마루(서울, 2021), 경기도미술관(안산, 2021), 스페이스 이수(서울, 2020), 수애뇨 339(서울, 2019) 등 여러 그룹전에 참여했다. 작가는 2023년 서울예술상과 2016년 송은예술대상을 수상했다.
Eunu LEE(b.1982) received his BFA and MFA in Fine Arts from the Korea National University of Arts. She has held solo exhibitions at the Buk-Seoul Museum of Art (Seoul, 2023), Prompt Project (Seoul, 2022), The Great Collection (Seoul, 2021), SongEun Art Space (Seoul, 2021), Art Sonje Project Space (Seoul, 2015), Gallery Factory (Seoul, 2014), and Alternative Space LOOP (Seoul, 2009). Her group exhibitions include those at MMCA Residency Changdong (Seoul, 2025), RANEE SEOUL (Seoul, 2025), VSF (Los Angeles, 2024), EDIT Projects (2024, Seoul), New Spring Project (Seoul, 2024), HITE Collection (Seoul, 2024), Dohing Art (Seoul, 2023), Rockefeller Center (New York, 2023), Space 298 (Pohang, 2023), Thomas Park (Seoul, 2023), Factory2 (Seoul, 2023), Nook Gallery (Seoul, 2022), Prompt Project (Seoul, 2022), Museum of Contemporary Art Busan (Busan, 2022), Ulsan Art Museum (Ulsan, 2022), SongEun Art Space (Seoul, 2021), BGA Maru (Seoul, 2021), Gyeonggi Museum of Modern Art (Ansan, 2021), Space ISU (Seoul, 2020), and Sueno 339 (Seoul, 2019), among others. Lee is the recipient of the 2023 Seoul Arts Award and the 2016 SongEun Art Award.
이은우(b.1982)는 한국예술종합학교 미술원 조형예술과 학사를 졸업하고 동대학원에서 석사를 마쳤다. 개인전은 서울시립 북서울미술관(서울, 2023), 프롬프트 프로젝트(서울, 2022), 더 그레잇 컬렉션(서울, 2021), 송은 아트스페이스 (서울, 2021), 아트선재 프로젝트 스페이스(서울, 2015), 갤러리팩토리(서울, 2014), 대안공간 루프(서울, 2009) 등에서 가졌고, 창동레지던시(서울, 2025), 라니 서울(서울, 2025), VSF LA(LA, 2024), 뉴스프링프로젝트(서울, 2024), 하이트 컬렉션(서울, 2024), 도잉아트(서울, 2023), 록펠러센터(뉴욕, 2023), 스페이스298(포항, 2023), 토마스 파크(서울, 2023), 팩토리2(서울, 2023), 누크 갤러리(서울, 2022), 프롬프트 프로젝트(서울, 2022), 부산현대미술관(부산, 2022), 울산시립미술관(울산, 2022), 송은아트스페이스(서울, 2021), BGA 마루(서울, 2021), 경기도미술관(안산, 2021), 스페이스 이수(서울, 2020), 수애뇨 339(서울, 2019) 등 여러 그룹전에 참여했다. 작가는 2023년 서울예술상과 2016년 송은예술대상을 수상했다.